從 Gabrielle Chanel 為俄羅斯芭蕾舞團設計戲服，到藝術總監 Matthieu Blazy 首次與團隊將鮮明色彩與精緻刺繡帶上巴黎歌劇院的舞台，CHANEL 與芭蕾舞的情緣已延續超過一個世紀。2026 年巴黎歌劇院舞季開幕盛典，不僅讓時裝與舞蹈再次展開精彩對話，也讓人重新思考：一個百年時裝品牌，為何始終願意投入資源支持藝術？從舞台服裝的創作、年輕舞者的培育，到歷史建築的保存，CHANEL 對藝術的投入，早已超越時裝本身的價值。尤其今年，Matthieu Blazy 首度參與巴黎歌劇院的舞台服裝創作，將品牌精湛的工藝融入一支僅約 8 分鐘的雙人舞《Rings of Saturn》。短短幾分鐘的演出，究竟藏著哪些令人驚豔的設計細節？而這段跨越百年的藝術情緣，又如何重新詮釋奢華的真正價值？
從古典芭蕾到當代創作，巴黎歌劇院揭開新舞季的序幕
當法國作曲家 Hector Berlioz（艾克托．白遼士，法國浪漫主義作曲家，譽為現代管弦樂支父）《Les Troyens》（《特洛伊人》）中的進行曲響起，巴黎加尼葉歌劇院（Palais Garnier）的舞台逐漸成為一幅由舞者共同構成的壯麗畫面。身穿白色芭蕾舞裙的舞者依序登場，整齊的隊形沿著舞台向後延伸，從巴黎歌劇院芭蕾舞學校的學生、Junior Ballet 年輕舞者，到舞團最高級別的 Étoile 明星舞者，不同世代的舞者齊聚一堂，為 2026–2027 舞季揭開序幕。
這項名為「Défilé du Ballet」的傳統開幕儀式，是巴黎歌劇院芭蕾舞團最具代表性的年度盛事之一。它不僅展現古典芭蕾對紀律、技藝與身體控制的高度要求，更象徵著舞蹈藝術如何透過世代傳承，延續至今。當舞者隨著音樂依序走上舞台，觀眾除了能欣賞到專業舞者優雅的舞姿之外，也同時能在這座擁有悠久歷史的藝術機構，看見巴黎歌劇院如何將數百年累積的技藝與傳統傳遞給下一代，讓古典芭蕾在延續歷史的同時，依然保有與當代對話的生命力。
因此，隨著演出逐漸展開，舞台也從古典芭蕾的優雅與莊嚴，轉向當代舞蹈更加自由而多元的創作語彙。其中一個演出是由巴西編舞家 Juliano Nuñes 首次為巴黎歌劇院創作的《Rings of Saturn》（土星之環），這段表演由兩位 Étoile 首席明星舞者 Germain Louvet 與 Hugo Marchand 演繹，透過雙人舞探索身體、情感與彼此之間的連結。此外，Jean-Christophe Maillot 的《Vers un pays sage》與 Aszure Barton 的《Busk》，也首次被納入巴黎歌劇院的保留劇目，讓不同世代、不同創作背景的編舞家，在同一個舞台上展開藝術對話。
而今年最值得時尚界關注的亮點之一，正是 CHANEL 藝術總監 Matthieu Blazy 首次參與巴黎歌劇院的舞台服裝創作。從 Étoile 明星舞者身上的芭蕾舞裙與精緻頭冠，到《Rings of Saturn》中兩位舞者所穿著的刺繡襯衫，CHANEL 將品牌對材質、色彩與工藝的探索帶進舞蹈世界。尤其《Rings of Saturn》的服裝，以深藍色為基底，鮮明的紅、橙、綠與藍色刺繡沿著肩線、胸前與袖口延展，宛如水彩畫的筆觸在布料上層層交織。當舞者旋轉、伸展與交錯移動，色彩也隨著身體的律動產生變化，在舞台燈光的映照下，彷彿將星辰、虹彩與流動的光芒一同穿在身上，每一次轉身都綻放出不同的色彩層次，美得令人目不轉睛。
然而，這場盛典背後，還有一個非常值得大家關注的一個數字。據外國媒體報導，2026 年巴黎歌劇院舞季開幕盛典共募得約 180 萬歐元（這筆募款將為巴黎歌劇院的藝術發展與文化傳承提供重要支持）。然而，相較於募款金額本身，更值得我們深入了解的是，為什麼一個以高級時裝聞名的品牌，願意長期投入舞蹈藝術，甚至將支持延伸至年輕舞者的培育與歷史建築的保存？要理解 CHANEL 與芭蕾舞之間如此深厚的情感連結，或許得將時間拉回一百多年前，從 Gabrielle Chanel 與俄羅斯芭蕾舞團相遇的那段歷史說起。
1924 年的《Le Train Bleu》，Gabrielle Chanel 如何讓時裝與芭蕾舞相遇？
若要理解 CHANEL 為何如此重視舞蹈藝術，必須回到 20 世紀初期的巴黎。當時的巴黎，是藝術、文學、音樂與時尚相互激盪的文化中心。Gabrielle Chanel 不僅致力於改變女性的穿著方式，也活躍於藝術家的社交圈，與詩人 Jean Cocteau、作曲家 Igor Stravinsky，以及俄羅斯芭蕾舞團創辦人 Sergei Diaghilev 等人建立深厚情誼。這些跨領域的交流，使他得以接觸當時最具前瞻性的藝術思潮，這些影響，也讓音樂、舞蹈與戲劇逐漸融入他的創作世界。
1920 年，Gabrielle Chanel 與俄羅斯芭蕾舞團創辦人 Sergei Diaghilev 相識，這段緣分也為時裝與舞蹈藝術的交流揭開序幕。四年後，他受邀為俄羅斯芭蕾舞團的作品《Le Train Bleu》（藍色列車）設計戲服，成為 CHANEL 與芭蕾舞建立深厚關係的重要里程碑。這部由 Jean Cocteau 構思、Bronislava Nijinska 編舞的作品，以當時盛行的海濱度假與運動風潮為背景，描繪現代生活充滿活力與自由的嶄新面貌。Gabrielle Chanel 大膽捨棄傳統芭蕾舞劇中繁複華麗的戲服，轉而將泳裝、針織衫與運動服等日常穿著元素帶進舞台，讓舞者的造型更貼近真實生活，也賦予芭蕾舞一種前所未有的現代氣息。
這樣的創作，恰好貫徹了 Gabrielle Chanel 當年對女性服裝所帶來的革命。在緊身胸衣與繁複裝飾仍深深影響女性穿著的年代，他開始運用柔軟的針織面料、簡潔俐落的剪裁，以及從男性衣櫥汲取靈感的設計元素，重新思考服裝與身體之間的關係。對香奈兒女士而言，真正的優雅就不該以束縛身體為代價，而是讓女性能夠自在行走、活動，甚至依照自己的意願選擇生活方式。當這樣的理念延伸至芭蕾舞台，服裝也隨之擺脫傳統形式的限制，讓舞者得以更加自由地展現身體的線條與動作。有趣的是，這份誕生於百年前的設計精神，如今依然鮮明地存在於 CHANEL 的創作之中。回望甫於巴黎發表的 2027 春夏系列，藝術總監 Matthieu Blazy 同樣從身體與服裝的關係出發，透過柔軟的材質、重新解構的經典輪廓與更具流動感的剪裁，讓服裝貼合身體的動作。跨越一個世紀，兩位創作革新藝術家皆以不同時代的設計語言，追求同一個關於自由與優雅的命題。
回到香奈兒與舞蹈的故事，Gabrielle Chanel 與舞蹈藝術的火花，除了《Le Train Bleu》的合作之外，1928 年，他再次為 George Balanchine 編舞的《Apollon Musagète》（阿波羅與繆思）設計戲服，1939 年則參與 Léonide Massine 的《Bacchanale》（酒神狂歡）服裝創作。從這些跨越不同時期的合作可以發現，Gabrielle Chanel 與當時的前衛藝術家始終有著一份志同道合的默契。他們即使活躍於不同的創作領域，卻同樣擁有不願受限於傳統形式，勇於打破既有規範，探索藝術表現的熱情。但也正是這份對自由與創造力的共同信念，讓 Gabrielle Chanel 與舞蹈藝術之間的情誼，得以跨越時代，持續留下深遠的影響。
Matthieu Blazy 首度參與舞台服裝創作，讓刺繡與色彩隨舞者身體流動
百年之後，CHANEL 持續透過舞台服裝創作延續這段歷史。2019 年，品牌重新詮釋 Serge Lifar 編舞作品《Variations》的戲服；2020 年為 Sidi Larbi Cherkaoui 的《Exposure》設計服裝；2021 年則參與 Victor Gsovsky《Grand Pas Classique》的服裝創作。到了 2025 年，CHANEL 更為編舞家 Hofesh Shechter 首次替巴黎歌劇院芭蕾舞團創作的《Red Carpet》設計 13 套舞台服裝。2026 年，CHANEL 與巴黎歌劇院的合作迎來新篇章。由 Matthieu Blazy 掌舵的品牌藝術、創意團隊，為巴西編舞家 Juliano Nuñes 首次替巴黎歌劇院創作的《Rings of Saturn》設計演出服裝，並由兩位 Étoile 明星舞者 Germain Louvet 與 Hugo Marchand 擔綱演出。這部作品以土星之環為題，透過雙人舞探索人與人之間的連結，也讓服裝設計成為舞台敘事的重要表現。
與傳統芭蕾舞裙不同，《Rings of Saturn》的服裝採取更接近日常衣櫥的設計語言。兩位舞者穿著深藍色襯衫與黑色長褲，襯衫表面透過金銀線、絲絨與棉線刺繡，呼應土星環的色彩與層次。這些看似簡潔的服裝，藉由精緻的材質處理與刺繡工藝，將 CHANEL 所擅長的高級時裝技術，轉化為適合舞台演出的當代輪廓。從官方釋出的服裝製作照片中，可以更清楚看見這些戲服令人著迷的細節。深藍色襯衫上，鮮豔的紅、橙、黃、綠與藍色刺繡，以近乎繪畫般的方式層層堆疊，形成具有節奏感的水平線條。
當目光靠近領口、鈕扣與胸前細節，便能發現不同色彩與材質之間的交錯變化，讓原本簡潔的襯衫輪廓，呈現出豐富而細膩的視覺效果。這樣的設計既保留了 CHANEL 對工藝的高度要求，也讓舞台服裝具有更加鮮明的當代氣息。
從芭蕾舞裙到精緻頭冠，CHANEL 如何將高級時裝工藝帶進古典舞台？
除了為《Rings of Saturn》設計全新舞台服裝，CHANEL 也持續為巴黎歌劇院年度開幕盛典中的「Défilé du Ballet」提供服裝支持。這項具有悠久歷史的傳統儀式，集結舞團不同世代的舞者，透過整齊而富有節奏感的隊形，呈現古典芭蕾藝術的傳承。CHANEL 特別為 Étoile 明星舞者設計芭蕾舞裙與頭冠，並為 Junior Ballet 年輕舞者提供演出服裝，讓品牌工藝成為這場盛典的重要組成部分。
從 CHANEL 官方釋出的舞衣製作照片中，可以看見白色芭蕾舞裙所蘊含的細膩工藝。層層堆疊的薄紗構成立體而輕盈的裙襬，精緻的星形裝飾點綴其間，隨著光線變化呈現柔和的光澤。上身的剪裁貼合舞者身形，裙襬則向外自然展開，在維持古典芭蕾優雅輪廓的同時，也必須考慮舞者旋轉、跳躍與伸展時的活動需求。對舞台服裝而言，美感與功能性從來不是彼此分離的條件，而是必須同時被滿足的設計要求。而精緻的頭冠與裝飾細節，也延續了古典芭蕾舞台的華麗傳統。透過金屬曲線、閃耀裝飾與細密的手工製作，這些看似細小的配件，在舞台燈光下成為塑造人物氣質的重要元素。因此，當 Étoile 明星舞者身穿白色芭蕾舞裙，頭戴精緻頭冠走上舞台，CHANEL 的工藝便能完美地融入芭蕾舞的歷史與表演之中。
為什麼精品品牌願意長期投資藝術？文化影響力正重新定義奢華
當我們談論精品品牌的價值，往往首先想到的是珍貴材質、卓越工藝、經典設計，以及歷經時間累積的品牌歷史。然而，在當代奢華產業中，愈來愈值得關注的，是品牌如何運用自身所擁有的資源與影響力，參與更廣泛的文化發展。藝術贊助便是其中一種重要形式。相較於能夠直接創造銷售的商品開發與行銷活動，支持藝術機構、培育創作者或保存歷史建築，往往需要長期投入資金，也難以用短期商業成果衡量。於是，對擁有百年歷史的 CHANEL 而言，這樣的投入其實與品牌長期建立的文化價值密切相關。從 Gabrielle Chanel 與當代藝術家的往來，到今日品牌持續支持舞蹈、電影、視覺藝術與文學創作，藝術始終是 CHANEL 品牌精神的重要組成部分。從這個角度來看，頂奢的意義也正在產生更豐富的延伸。它除了體現在一件服裝的工藝、一只手袋的材質與一件珠寶的稀有性，也可以存在於一個品牌願意花費多少時間與資源，支持那些無法立即轉化為商品，卻對文化發展具有長遠意義的事物。
不只支持明星舞者，CHANEL 也將資源投注於下一個世代
在 CHANEL 與巴黎歌劇院的長期合作中，除了舞台服裝的創作，另一項值得關注的，是品牌將目光也投向芭蕾舞的下一個世代。2024 年，巴黎歌劇院成立 Junior Ballet 青年芭蕾舞團，為來自不同國家、年齡介於18至25歲的年輕舞者，提供邁向職業舞台的重要機會。作為這項計畫的創始贊助者（Founding Patron），CHANEL 不僅支持舞台上已經發光發熱的明星舞者，也將資源投入那些才華初露、正準備展開藝術生涯的年輕人。Junior Ballet 透過公開甄選招募舞者，入選者將獲得為期兩年的專業培訓合約，在持續精進舞蹈技巧的同時，參與古典與當代舞作的排練及演出，逐步熟悉專業舞團的運作與要求。更重要的是，這項計畫也體現了巴黎歌劇院對藝術傳承與多元包容的重視，讓來自不同文化背景的年輕舞者，有機會在這座世界級藝術殿堂中交流、學習，並找到屬於自己的舞台。
而這或許也是 CHANEL 長期支持藝術最令人感動的地方。相較於一場演出所帶來的完美掌聲，培育一位舞者需要更漫長的時間、耐心以及教育，成果也未必能在短期內被看見。然而，當一個品牌願意將資源投入尚未成名的年輕創作者，所支持的便是未來無數場演出的可能。畢竟，一項藝術傳統之所以能夠歷久不衰，除了珍惜過去累積的成就，更需要有人願意相信下一個世代的才華，讓新的故事得以繼續發生。
從舞台到歷史建築，CHANEL 參與巴黎歌劇院的文化保存
除了支持舞蹈藝術與人才培育，CHANEL 近年也將合作延伸至巴黎歌劇院的建築修繕。2025 年，品牌成為巴黎歌劇院修繕工程的特別贊助者（Exceptional Patron），參與這座歷史建築的保存工作（這座於1875年落成的歌劇院是由建築師 Charles Garnier 所設計，以華麗的建築裝飾、宏偉的大理石階梯與精緻的室內空間聞名，長年見證法國歌劇與芭蕾舞藝術的發展，因此，對巴黎而言，這絕對是城市文化的重要象徵。）然而，隨著建築逐漸老化，維護這座歷史場館需要持續投入專業技術與大量資源，因此，即將進入大規模修繕工程階段，預估經費達數億歐元，所以工程期間部分演出將轉往巴士底歌劇院（Opéra Bastille）進行，這幾日的開幕盛典也成為這項修繕計畫的重要募款場合，CHANEL 則是主要支持品牌之一。
CHANEL Arts & Culture啟動參與文化的未來
將視野從巴黎歌劇院擴展至 CHANEL 整體的文化發展，可以發現舞蹈藝術只是品牌長期投入的其中一個領域。近年 CHANEL 透過 Arts & Culture 相關計畫，持續支持視覺藝術、電影、文學、舞蹈與跨領域創作，並與不同國家的文化機構建立合作關係。其中，CHANEL Culture Fund 著重於文化機構及藝術發展的支持，CHANEL Next Prize 則為具有創作潛力的當代藝術家提供資源與發展機會，而 CHANEL Connects 透過藝術家、策展人與文化工作者之間的交流，探討當代藝術與社會文化的不同議題。這些計畫反映出精品品牌與藝術之間的合作方式，正在逐漸產生變化。過去，時尚與藝術的結合，經常透過藝術家聯名、限量商品或展覽活動呈現，藝術作品也可能直接成為商品設計的靈感來源。然而，當品牌開始支持藝術家的長期創作、文化機構的發展，以及跨領域的知識交流，藝術進而成為品牌永續經營策略下最值得獨立投入資源的文化領域。不過，當私人企業逐漸成為藝術機構的重要支持力量，也帶來另一個值得討論的問題：品牌的文化影響力應該如何被理解？藝術機構在接受企業贊助的同時，如何維持創作與策展的自主性？而這些投入是否能夠讓更多不同背景的藝術家獲得資源，也將是衡量文化贊助長期價值的重要指標。
巴黎歌劇院讓藝術走進生活
每當巴黎歌劇院舉辦年度開幕盛典，除了舞台上的精彩演出，受邀出席的國際名人、藝術家與文化界人士，也經常成為媒體關注的焦點。然而，作為法國重要的公共文化機構，巴黎歌劇院除了舉辦具有特殊性質的開幕盛典，也透過全年演出、參觀活動與不同票價的售票制度，讓一般觀眾有機會接觸歌劇與芭蕾舞藝術。以年度開幕盛典而言，演出席次可能包含公開售票、贊助方案與特別邀請等不同安排。巴黎歌劇院之友協會 AROP 也設有榮譽委員會席次的預訂管道，讓有意參與盛典並支持藝術機構的觀眾，可以透過相關方案提出申請。不過，演出觀賞與晚宴參與屬於不同安排，並非購買演出票券便能直接入席。一般觀眾、消費者也可透過巴黎歌劇院官方網站查詢當季節目、演出時間與票價，仍是最直接的參與方式。
真正的藝術是讓值得珍惜的文化繼續存在
回顧 CHANEL 與巴黎歌劇院的深厚情誼，最令人動容的，或許是品牌如何將一段始於百年前的藝術緣分，延續為今日仍在不斷發展的文化承諾。回朔 Gabrielle Chanel 為《Le Train Bleu》設計戲服，到 Matthieu Blazy 為《Rings of Saturn》帶來嶄新的舞台服裝創作，跨越一個世紀，時尚與舞蹈依然能夠激盪出令人驚喜的火花。然而，今日 CHANEL 所扮演的角色，早已不再侷限於服裝設計與藝術合作，而是進一步將支持延伸至年輕舞者的培育、文化機構的發展，以及歷史建築的保存。這些投入的意義，或許就藏在一位年輕舞者終於獲得登上世界級舞台的機會，一座承載無數藝術記憶的歌劇院得以繼續迎接觀眾，或是一項歷經數百年傳承的古典藝術，依然能夠打動新世代的心。這些成果未必能夠立即反映到盈利的銷售數字衡量，卻會隨著時間累積，成為更加深遠而珍貴的文化影響力。畢竟，真正值得傳承的，不只是那些已經被創造出來的美好，更是讓未來持續誕生美好的可能，不是嗎？
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