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2025 Camping Asia《崩世光景》《即席寫真》《U>N>I>T>E>D》幕後介紹一次看
by 美麗佳人編輯部-更新
編輯／Melody TU；資料提供／香奈兒文化基金、北藝中心
臺北表演藝術中心（北藝中心）、法國國家舞蹈中心（Centre national de la danse, CN D）與香奈兒品牌共同合作推出的「Camping Asia」，兩年一度於臺北舉行，秉持「跨領域、跨文化、跨世代」對話精神，透過課程、展演與互動，持續為亞洲舞蹈界引入新的視野與能量。
2025年 Camping Asia 匯聚來自歐洲、亞洲的16所藝術院校，超過160名師生，以及23位跨域藝術家共同參與。11月10日至11月21日期間，為期12天的計畫包括工作坊、表演節目、論壇、各項課程與公眾計畫。受邀藝術家們除了授課並帶領課程，也將帶來5檔結合舞蹈與跨域藝術的表演節目，開啟對藝術、身體和創作的多重對話。
2025 Camping Asia 精彩節目 幕後介紹一次看
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在烏托邦尋找重生能量的《崩世光景》
11月14日開幕當晚的表演節目由法國前衛編舞團隊狂徒（LA）HORDE）引領馬賽國立芭蕾舞團，並與法國電子音樂製作人霍恩攜手，共同帶來《崩世光景》（Room with A View）作品。誕生於疫情與社會動盪時期的作品《崩世光景》（Room With A View），以「崩壞與重生」為題，描繪當代人面對瓦解與希望的交錯時刻，並思索藝術如何在混沌中為下一個世代打開未來的可能。舞者們以肢體交織出青春的悸動與憂傷，在科技與自然、冷冽與狂喜間撕裂重生。藝術家透過演出，探索年輕世代如何找回面對氣候災變、父權瓦解、社群疏離種種崩壞的勇氣。
出席參加2025 Camping Asia開幕的嘉賓包含臺北表演藝術中心董事長王文儀、策展人林人中；藝術家狂徒（（LA）HORDE）、霍恩（Rone）、瑪麗・施利夫（Marie Schleef）、班吉．瑞德（Benji Reid）、奈絲・蘿柯（Ness Roque）、塔那波・維魯拉庫（Thanapol Virulhakul）、瑞秋・寇森（Rachel Coulson）、田孝慈、林祐如，以及來自法國國家舞蹈中心的代表Thomas Arnaudin。香奈兒品牌大使桂綸鎂、許瑋甯與昆凌，品牌好友9m88、李沐、ØZI、王渝屏、王渝萱、洪珮瑜以及ABAO阿爆也參與了開幕。
藝術讓我們重新連結
首次來臺的( LA )HORDE表示，臺灣是此次巡演行程中令人期待的地點「這裡的文化、食物與人情都與我們熟悉的歐洲截然不同，我們很榮幸能將作品帶到這樣多元的地方。」他也特別提到，團隊中有來自臺灣的舞者嚴龍賜，能夠在家鄉舞臺上演出，更增添了情感連結。他們談到，《崩世光景》除了探討社會崩解、氣候變遷與青年抗爭，也是一場集體的身體經驗：「當觀眾在劇場裡，一小時十五分鐘都放下手機，與陌生人共同面對一個作品，那種『在一起』的感受，本身就是藝術最珍貴的意義。」他們相信，藝術不只是表達，更是一種對話的開端，「這個時代最需要的，就是彼此傾聽與對話的能力。」
崩壞不是結束，而是重新生成的開始
《崩世光景》的靈感來自電子音樂製作人 Rone 的邀約。雙方在創作初期圍繞著彼此最關心的議題——崩壞。「崩壞不一定是負面的，它可能是舊結構的瓦解，也可能是更新的開始。」作品中所談的「生態」，不僅是自然環境，也包括性別、酷兒、社會階層等不同層面的結構性生態；當體制崩塌之後，也許正孕育著新的連結方式。
「Room With A View」這個標題源自「擁有景觀的房間」，過去曾是高級飯店的噱頭——象徵少數人得以享有的特權視角；同時，它也暗示我們每個人手中的手機螢幕，那是扇 24 小時不關閉的「世界之窗」，在數位時代，它也意寓觀看世界的方式與距離都被重新定義。
舞者是身體的思想者
《崩世光景》於 2020 年首演於巴黎夏特雷劇院（Théâtre du Châtelet），但演出五場後即因疫情封城中斷。舞台佈景被迫靜止五個月，成為作品命題最強烈的象徵——當全世界進入停滯，藝術仍持續思考「從崩解中重生」的可能。
馬賽國立芭蕾舞團的舞者來自 16 個國家，( LA )HORDE形容他們是「身體的思想者」，透過身體展現愛與恨、個體與集體、希望與混亂的關係。來自臺灣的舞者嚴龍賜也分享：「排練過程像是一場自我重新定位的旅程，跨文化的交流讓我們學會用不同語言去理解彼此。」
在消逝的瞬間留下希望
( LA )HORDE認為，表演藝術之所以動人，正因為它是一種「消失的藝術」——演出結束的瞬間即告消逝，僅留存於觀眾心中。「我們無法帶走舞台上的任何東西，但如果觀眾在離開劇場後開始思考另一種可能的世界，那就是藝術最深的力量。」創作此作，並不僅是關於抗爭與崩解，更是在廢墟中尋找希望的行動。「文化與藝術是由創造它的人共同構成的，我們希望透過每一次演出，讓觀眾感受到人與人之間重新連結的可能。」
光影與身體之間捕捉無聲戰爭的《即席寫真》
英國藝術家班吉・瑞德的《即席寫真》以攝影捕捉日常生活中的無聲戰爭——種族歧視、毒癮、社會疏離與創傷。透過舞者在現場的演繹，每一幅影像被賦予身體節奏與情感，讓觀者直面痛苦、掙扎與希望，感受脆弱中的自由與解放。
聚光燈下，攝影師與被拍攝的舞者同臺共構《即席寫真》，攝影不再只是靜態紀錄，而成為與舞蹈即時交織的現場創作。舞臺化作巨型攝影棚，舞者以身體顯影情緒與傷痛，每一幀影像皆在呼吸、光影與肢體間瞬時生成，無法複製。班吉・瑞德並將非洲未來主義(Afrofuturism)融入舞臺語彙，他或騰空漂浮、或戴上太空頭盔，彷彿穿梭銀河與異次元，作品融入了個人心境與未來想像，引領觀眾重新感受身體、影像與情感如何在生命中交會。
編舞式攝影
7歲開始跳舞，40歲前專注於劇場的班吉．瑞德，投身攝影是他對經濟不穩定和日常生活限制的一種反抗。「即使沒有資金，沒有劇場、製作人，我也能繼續創作，IG就是我的藝廊。」在他眼中，劇場、編舞、攝影的本質相同，都是透過影像與故事探討人類處境，他相信影像的力量不在形貌而在於經歷，「我拍的是他們經歷了什麼」。班吉從舞者到導演，再到攝影創作者，他以獨特的「編舞式攝影」思維串連劇場與影像，回到舞臺整合了他創作生涯所有能力，讓藝術實踐合而為一。
英國編舞攝影家 Benji Reid 的《即席寫真》首次於臺灣亮相，將舞臺化為攝影棚，打破舞蹈、攝影與視覺藝術的界限。作品自歐洲巡演後以臺北作為亞洲首演，歡迎觀眾以全新方式體驗舞臺表演與影像創作的交錯。
即時呈現現場攝影與音樂的精密安排
2025 Camping Asia 策展人林人中指出，當代「人人皆攝影師」的現象。在手機與網絡普及的日常生活中，攝影與視覺文化已無處不在，專業與業餘的界線日益模糊。Benji Reid 將這種現象帶入劇場：舞臺上的動作與影像同步生成，觀眾不僅觀看表演，還能即時感受攝影的過程與瞬間是有趣的。「劇場的現場本質跟攝影的按下快門的瞬間，無法被複製的撱一個，在那個時間地點人物已被記錄下來的一種瞬間裡，我覺得這是一個非常有趣的觀念性的藝術現場。」
音樂作為《即席寫真》的重要元素。 Benji與音樂創作者Andrew Wong合作多年，這次製作陸續進行了5年，從超過2000首素材中精挑細選出17段音檔，包括冥想氛圍的曲目、留白與沉浸感設計，以及與偶像或非洲未來主義相關的音色與鈴聲，用以引導觀眾情緒、營造療癒體驗。音樂不僅是背景襯托，而是與舞者動作、攝影過程與即時影像緊密呼應，共同構築完整的視覺與感官世界。
製作過程也充滿技術挑戰。為了讓現場攝影即時呈現，影像控制師Ross Flight表示，使用多媒體編程進行影像轉換與操作，即便攝影師以直立拍攝，畫面也能快速轉為橫式呈現。每場演出約拍攝300張照片，除了少數不完整的影像，幾乎全部即時投影到舞台屏幕上，觀眾可在兩秒內看到攝影成果。舞臺設計、燈光、動作與影像的轉換皆需經過精密排練，使表演兼具舞蹈力感與攝影精準性。
舞動未來科技神話的《U>N>I>T>E>D》
當靈性與科技交織，血液開始沸騰、神經隨節拍震顫，崇拜與出神不再是禁忌，而是一場未來的集體儀式。來自澳洲墨爾本，以突破類型疆界聞名的塊動舞團的塊動舞團(Chunky Move)，攜手爪哇實驗電音團體Gabber Modus Operandi、峇里島時尚品牌Future Loundry，以及國際知名的動畫機械設計團隊 Creature Technology Co.，共同打造的跨界大作《機神祭》(U>N>I>T>E>D)，展現強烈的感官能量與未來氛圍，將於 11 月 20、21 日於臺北表演藝術中心藍盒子隆重登場。
《機神祭》融合舞蹈、科技、裝置、聲響與時尚，舞者身穿靈感源自越野機車，由回收材質製成的機械骨骼服飾，在迷幻電音與霓虹光影中，輪流化身為半人半獸的「後人類神話生物」，在閃爍燈光與霧氣之中不斷變形、組合，構築出如「龍舞」般的集體身體，象徵超越個體界限的共感與意志。演出以威脅開場，經歷拒絕與解放，最終走向重生。在迷幻電音與霓虹光影中，展現人類、機械與靈性之間的深層對話。
由Gabber Modus Operandi 設計的音樂融合印尼甘美朗(gamelan)、電子舞曲鐵克諾(techno)等風格，加之以嘶吼重拍，創造出充滿張力的音場；Creature Technology 設計的外骨骼裝置服，則賦予舞者既受限卻別具震懾感的肢體張力。整體視覺深受1980至90年代科幻電影與峇里島儀式文化啟發，結合祭祀般的舞臺氛圍與象徵性肢體編排，觀眾彷彿進入一場夜店、儀式與音樂會交錯的感官盛宴。
數位與儀式之間 尋找人類共生之歌
《機神祭》的誕生，始於Chunky Move與Gabber Modus Operandi長達3年的共創。兩組創作者透過社群媒體相識，共鳴於當代人處於後現代都市，在技術與資訊轟炸之下，仍然對「儀式」與某種失落的「集體感與神聖感」存在憧憬渴望。2020年雙方首次在峇里島會面後遂展開一系列創作討論，2023 年更進一步深化合作。
「我相信所有人類製造的物質都具有靈性。」塊動舞團藝術總監安東尼．漢密爾頓(Antony Hamilton)說。《機神祭》因此充滿「機器神祕主義」的詩意，希望藉由這場作品提醒觀眾，「人類與物質世界的連結比想像中更深；我們並非與地球分離，而是彼此共生。」他也在作品中將「龍」作為核心意象：既是科幻與神話的象徵，亦是人類文化的集體想像與恐懼。龍在此作為精神符號，象徵力量與恐懼的共存，在回應了創作初心——在數位混音與機械脊骨中甦醒的靈性召喚。
2023年潮流品牌 Future Loundry 加入團隊，冰冷科技中隱約滲出宗教與儀式光芒的外骨骼裝置服於是誕生。「人類的身體在科技化的都市環境中會如何表現？」安東尼如是思考，並指出對舞者而言，外骨骼成為挑戰與再造的工具，他表示：「穿上裝置後的動作就像倒著學騎腳踏車，我們得重新發明一種支持外骨骼運動的編舞語言。」
符號「>」的融合寓意 集體創作指向合一
《機神祭》在冷冽的科技感、生猛的叢林景觀、電音節拍與後人類哀歌交錯中，最終指向「合一」的喜悅與力量。安東尼指出，這部作品落實了一個簡單而深刻的信念：「當我們能彼此更和諧地連結，人類就能變得更好、更偉大。」
安東尼分享塊動舞團的創作方式「我們會先收攏問題的背景，在解決過程中找到新的語言。」長期以來總能在挑戰中重新凝聚創作力量，「我通常有很強烈的願景，但也希望作品能容納每個人的聲音。劇場是一種持續合作，從舞台設計師到作曲家，每個人都必須在作品裡找到意義與共鳴。」他指出這樣的創作方法改變了他的編舞方式，也讓團隊重新意識到人與物、環境之間的關係。
安東尼回顧自己的創作歷程說：「我曾想成為電影人、視覺藝術家，最後選擇成為編舞者。我總想把生活中影響我的一切元素帶入作品，它們吸引我、指引我，讓我無法抗拒。」在《U>N>I>T>E>D》中，他刻意使用符號「>」，象徵不同文化、經驗與感受的融合。他期望透過這種整合，讓人與人之間的連結更加和諧、完整。
關於Camping Asia
自2019年以來，「Camping Asia」已成功吸引超過12個國家的藝術院校、數百位學生參與，2023年活動參與人次更突破7,000人次。今年，來自全球的頂尖院校，包括香港演藝學院、日本女子體育大學舞蹈學系、日本筑波大學、韓國藝術綜合學校舞蹈學院、新加坡拉薩爾藝術學院、奧地利安東布魯克納大學、法國巴黎高等美術學院，以及臺灣的9所學校，將齊聚臺北展開深度交流，不僅深化臺北作為亞洲當代舞蹈重鎮的角色，更積極孵化領先亞太的文化表達。這不僅是給下一個世代的未來藝術學苑，更是一場讓臺灣在國際文化版圖上持續保有創新與自由能量，值得所有人親身參與的藝術旅程。
關於香奈兒文化基金
香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）致力於培養出充滿活力的創作者和創新者網路，盼能推動塑造全球文化的思想發展。核心計畫包括香奈兒藝術合作夥伴，香奈兒支持相關機構的領導者全力發展突破性的長期創新行動，為文化風貌帶來創新思維。CHANEL Next Prize 表彰藝術家，並提供資源及指導機會，為他們未來的成就推波助瀾。而《CHANEL Connects》Podcast 則匯聚來自不同領域、世代與地域的意見領袖，提供發聲平台，探討當代社會所面臨的關鍵議題。
從南加州加州藝術學院（CalArts）運用科技激發藝術創新，到柏林漢堡車站美術館（Hamburger Bahnhof）大規模催化創作自由；從威尼斯雙年展力挺具顛覆性視野的藝術家，到與英國電影協會（British Film Institute）攜手表彰傑出的電影導演，香奈兒文化基金全力支持追求讓未來更美好的創意勇氣，延續香奈兒一世紀以來對藝術的承諾。
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