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奧斯卡提名《烈火焚身》原著劇作家首度來台！瓦吉．穆阿瓦兩齣神作10月一次看

看過電影《烈火焚身》，更不能錯過原著劇作家本人！當代法語劇場重要導演瓦吉．穆阿瓦首度來台，一口氣帶來《海之邊》、《孤身》兩部代表作。

by Haremi Huang-2026/09/29更新

Photo／臺北表演藝術中心

如果你曾被丹尼．維勒納夫（Denis Villeneuve）執導的《烈火焚身》震撼得久久不能自己，那麼今年10月，終於有機會親眼看見這個故事背後的創作者。黎巴嫩裔加拿大劇作家、導演瓦吉．穆阿瓦（Wajdi Mouawad）首度來台，2026臺北藝術節一次帶來《海之邊》與《孤身》兩部代表作。八歲離開戰火中的黎巴嫩，此後輾轉法國、加拿大，他將自己熟悉的流亡、家族傷痕與身分困境寫進劇場。聽來很沉重？穆阿瓦偏偏懂得在最荒謬的人生裡塞進冷幽默，讓人在莞爾後才發現，心裡已被戳了個洞。以下，編輯整理了法語劇場大師瓦吉．穆阿瓦介紹及兩齣舞台劇亮點，一起讀下去。

法語劇場大師瓦吉．穆阿瓦：經典劇作亮點介紹

瓦吉．穆阿瓦是誰？
瓦吉．穆阿瓦：法語劇場大師
瓦吉．穆阿瓦：流亡經驗成創作底色
舞台劇《海之邊》亮點1：帶著父親遺體的返鄉旅途
舞台劇《海之邊》亮點2：讓悲劇喘口氣的「黑色幽默」
舞台劇《孤身》亮點1：首部自編、自導、自演的獨角戲
舞台劇《孤身》亮點2：「自言自語」也能很精彩
從《海之邊》到《孤身》：爬梳穆阿瓦的創作歷程
瓦吉・穆阿瓦：舞台劇展演資訊
《海之邊》展演資訊
《孤身》展演資訊
瓦吉・穆阿瓦：相關問與答

瓦吉．穆阿瓦是誰？

瓦吉．穆阿瓦（Wajdi Mouawad）自編、自導、自演劇作《孤身》（Seuls）。

1968年出生於黎巴嫩的瓦吉．穆阿瓦，童年因黎巴嫩內戰離開故鄉，先移居法國，之後在加拿大魁北克生活，並於蒙特婁接受表演訓練。他的創作橫跨劇作、導演、表演、小說與電影，作品已被翻譯成約20種語言，足跡遍及五大洲。1997年，他寫下《海之邊》，之後陸續完成《烈火焚身》、《森林》、《天空》，發展為重要代表作《血誓四部曲》（Le Sang des promesses）；其中《烈火焚身》於2010年被加拿大導演丹尼．維勒納夫改編成同名電影，並入圍第83屆奧斯卡最佳外語片，讓他的名字從法語劇場一路走向全球影迷。

瓦吉．穆阿瓦：法語劇場大師

穆阿瓦在法語劇場的地位，也不只來自《烈火焚身》。2009年，他擔任亞維農藝術節（Festival d’Avignon）藝術家，推出長達約11小時的《血誓四部曲》；2016年獲任命為巴黎法國國家珂嶺劇院（La Colline théâtre national）藝術總監，任期至2026年3月，長達近十年。期間持續推出《Tous des oiseaux》、《Notre innocence》、《Fauves》及新版《Littoral》等作品。2025年，他進一步走進法蘭西公學院，以創作者身分談「書寫」本身。從劇作家、導演、演員一路跨進文學與思想領域，穆阿瓦很難只用單一職稱概括，文字始終是他所有創作形式共同的起點。

瓦吉．穆阿瓦：流亡經驗成創作底色

穆阿瓦的作品之所以總繞著戰爭、家庭、身分與「回家」打轉，與他的成長經驗密不可分。童年離開黎巴嫩後，他的人生長期處於遷徙之中，語言、國家與文化環境一次次改變。這些經驗後來進入他的作品，家族祕密經常一路牽動戰爭與歷史，個人傷口也會突然打開一整個世代的記憶。他曾表示自己的40部作品中有36部與黎巴嫩相關，因此對穆阿瓦來說，寫作也成了反覆回到故鄉的方法。2024至2025年度，他更獲邀至法蘭西公學院擔任年度講席，2025年以「書寫的動詞」（Les verbes de l’écriture）系列課程重新拆解自己與寫作的關係。

舞台劇《海之邊》亮點1：帶著父親遺體的返鄉旅途

此次帶來臺灣的其中一部劇作《海之邊》（Littoral），光看故事設定，就很難讓人忘記。青年威弗里德（Wilfrid）接到素未謀面的父親過世消息，決定將遺體帶回父親的出生地安葬，抵達後卻發現戰後的家鄉早已滿目瘡痍，墓地飽和、亂葬崗散落、雷區切割土地，連親族與村落也不願接收這具遺體。於是，他只能帶著逐漸腐敗的父親繼續上路，途中遇見一群同樣因戰爭失去家人的年輕人，眾人輪流扛起遺體，一路往海邊走去。穆阿瓦借用《奧德賽》的遠征結構，把史詩英雄換成一群被戰爭留下來的普通青年，就連「替父親找墳墓」這件看似再基本不過的事，都成了一場荒謬又艱難的冒險。

舞台劇《海之邊》亮點2：讓悲劇喘口氣的「黑色幽默」

《海之邊》談死亡、戰爭與失親，如此沉重的議題，卻絲毫沒有讓人喘不過氣。穆阿瓦擅長處理一種尷尬到令人發笑的荒謬感，例如威弗里德必須帶著父親的遺體四處移動，原本莊嚴的送葬逐漸遇上各種現實難題，甚至出現近似處理冷凍食材般的黑色幽默。舞台同樣沒有堆砌寫實戰場，而以膠帶劃分邊界、演員身體建立場景，再讓語言與聲音補上看不見的世界。這也是穆阿瓦劇場迷人的地方，他談的是很大的歷史，卻總從很渺小的一個人、一具身體、一段家庭關係開始。待旅程走遠，觀眾才發現，他真正追問的是戰爭結束後，活下來的人究竟該何去何從。

舞台劇《孤身》亮點1：首部自編、自導、自演的獨角戲

倘若《海之邊》是把家族創傷轉換成一趟群體旅程，那麼《孤身》（Seuls）則把鏡頭一路推近，最後只留下「自己」。這齣作品由穆阿瓦親自編劇、導演及演出，主角哈萬（Harwan）是住在蒙特婁的黎巴嫩裔博士生，論文卡關、與父親疏離，甚至逐漸忘記自己的母語阿拉伯語。一場意外使他陷入昏迷，也讓故事從現實生活滑進記憶與潛意識。有趣的是，法文劇名「Seuls」是「孤獨」的複數形，諾大的舞台上看似只有一個人，裡頭卻住著兒子、移民、學生，以及逐漸失去母語的個體。這也是穆阿瓦2008年創作《孤身》後展開「家庭系列」（Cycle domestique）的起點，從家族角色重新梳理個人身分。

舞台劇《孤身》亮點2：「自言自語」也能很精彩

這齣長達120分鐘的獨角戲，除了演員的「自言自語」，還包含大面積即時投影、答錄機錄音、越洋電話與現場繪畫等敘事工具，無縫切換多重生活場景與精神空間。隨著主人公哈萬逐漸失去語言，身體與顏色開始接手，他拿起畫筆、傾倒大量顏料，連身體與舞台都成為畫布。穆阿瓦藉由視覺噴發的色彩及流暢的空間轉換，回應了角色的身分認同困境。此部劇作靈感來自林布蘭（Rembrandt）名畫《浪子回頭》（The Return of the Prodigal Son），一個離家的兒子重新回歸舞台中央，卻發現「回家」二字早已不若童年簡單。

從《海之邊》到《孤身》：爬梳穆阿瓦的創作歷程

把《海之邊》和《孤身》排在同一屆臺北藝術節，非常有意思。《海之邊》完成於1997年，是《血誓四部曲》的開篇；《孤身》則於2008年首演，成為另一條「家庭系列」的起點。前者有一群人同行，沿著戰後土地尋找埋葬父親的位置；後者乾脆把其他人都撤掉，只剩一個人在舞台上追問自己的語言、父親與身分。相隔十餘年的兩部作品，都繞著「回家」這件事打轉，只是穆阿瓦的視線逐漸從外部世界收回自身內在。對第一次接觸他的臺灣觀眾來說，看完這兩齣劇作，幾乎等於快速走過他創作生涯的兩個重要階段。