LIFESTYLE 藝術

北美館「物質世界」夏日開展！重新感受並想像生活四大展區與亮點作品

五月開展的「物質世界」，集結北美館許多首度展示、或已隔了十幾二十年未與大家見面的典藏品。看似熟悉的物件，帶來會心一笑的幽默感，也讓觀眾重新感受自己的生活，是如何被這些食衣住行的消費形塑與影響。

by Melody TU-2026/05/04更新

採訪&文字整理／Melody TU；資料＆圖片提供／臺北市立美術館

五月開展的「物質世界」（5月1日至8月16日），集結北美館許多首度展示、或已隔了十幾二十年未與大家見面的典藏品，跨越90年的館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像。展覽由馮馨策劃，匯集29位不同世代藝術家的創作，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件／組作品。最早的作品為何德來1936年的油畫，並展出3件全新委託製作。

為什麼是「物質世界」（Material Extensions）

呼應北美館正在展出的超現實國際大展，當時的時空背景。回望台灣從農業社會發展到工商社會，物質生產與流通的改變下，藝術家怎麼實驗與發展創作，與世界對話。不同於中文展名直指「物質的世界」，英文展名「Material Extensions」暗示著當代物質如何作為媒介，持續延展並擴張我們的知覺。

1970年代布希亞（Jean Baudrillard）提出消費社會中的符號價值，到1990年代提姆．登特（Tim Dant）與貝爾納．斯蒂格勒（Bernard Stiegler）對物質實踐的進一步探討，物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號。物質世界就是我們的日常世界。許多作品由看似熟悉的生活物件組成，帶來會心一笑的幽默感，也讓觀眾重新感受自己的生活，是如何在這些食衣住行的操作、使用與感受中，形塑我們的行動模式與社會。

View this post on Instagram

「物質世界」四大展區與亮點作品介紹

展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。

一開始展區從物質消費與機制出發，延伸至物件所構築的居所與城市的現代化進程。李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架，如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精，使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現，進而探討視覺消費符號遺留的慣習，觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品，反而被相似的視覺暗示所欺騙。黃冠均的《黃》中，壓克力顏料脫離畫布，成為塑膠雨衣的材質本身，既回應熟悉的日常經驗，也凸顯創作媒材的物質性。

李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。圖像由臺北市立美術館提供。

《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來與黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題，透過畫面色調與室內陳設物件，映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨（林強全新配樂版）》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況，此次展出版本為2019年，由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂，以電子樂與實驗聲響，將現代精神融入昔日臺北景觀，展開一場跨越媒介與時代的對話。

黃銘昌，《巴黎閣樓—照見系列》，1978-1983，油彩、畫布、紙本。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

白景瑞，《台北之晨（林強全新配樂版）》，1964，DCP，20分鐘。國家電影及視聽文化中心典藏。圖像由國家電影及視聽文化中心與北美館提供。

第二展區則轉向由物而開展的奇想，透過物的變形與再解構，打開現實與潛意識之間的縫隙，使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手，形成無法觸及彼此的循環，隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係，回應超現實主義藝術家馬格利特（Rene Magritte），進一步探討符號與對應物之間的張力。

黃文浩，《上帝與我》，1996，節拍器、雜誌紙，57 × 12 × 14.5公分。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

賴九岑，《這不是瑪格利特的天堂》，2018，壓克力顏料、畫布，140 × 180 公分。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係，從由物而體現的自我、聚集之物與其乘載到系統中的人與空間，觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一，以30套懸吊的改造服裝構成，其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套，指向衣物不僅決定外在形象，更影響個體的思考與人格認同；張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列，實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖，回應其對生命、存在與虛無命題的思索。

日下淳一，《超越認同》，1994-1998，衣服、線，30套衣服。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些難以被察覺的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史－盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏，內容圍繞在臨時工盧皆得，他的生命故事被印製成冊，而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫，反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏。圖像由臺北市立美術館提供。

湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。圖像由臺北市立美術館提供。

最終，第四展區回到感知與物件的堆疊。李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響，以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像，隨著觀眾在展場中的移動，生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗，進一步思考感知如何被物質延展與重塑。