權純益的故鄉位在首爾以煤礦著稱的聞慶市。童年曾在廢礦村裡無數人踩踏過的黑色地面，看見轉瞬浮現的一束光，在他心中留下「即使在黑暗之中，仍然存在光」的領悟。天然石墨可以厚塗呈現深黑，也可以隨觀看角度閃耀不同色調，日後也成為權純益創作中重要的元素。在黑夜仍然長於白日的季節裡，讓我們一起透過藝術，在當下沉澱感受，迎接新的一年到來。
只有認真活在被賦予的當下，才能真正遇見未來的自己。── Soonik KWON
抽象藝術的世界中，每一點一劃的存在都是有意義的，承載著不同藝術家對本質的思索。這次我們有機會採訪來自韓國的抽象藝術家權純益，分享他如何看待身體、心靈與時間的關係，在持續審視並表達內在的歷程中，如何尋回自我。
對你而言，「藝術」是什麼？在你的人生中扮演什麼樣的角色？
權純益：對我而言，藝術如同一種將自我清空、逐步走向本質的修行過程。在反覆點畫、堆疊色彩、研磨石墨的行為中，日常的雜音隨之消失，只剩下呼吸與節奏。高度專注的當下，我得以找回內在的平衡，也重新整理生命的重量。
藝術並不只是產出作品的行為，而是一股支撐我走到現在，並持續向前的內在力量，是一條讓我回望自身存在的道路。
你是如何發展出反覆描點、刮磨、拋光等創作手法呢？支持你投入創作的原動力是？
權純益：我的創作方式，都是將「時間」的層次以「物質」的形式留下。將混有細沙的顏料，以短促而重複的筆觸堆疊，在多重色層之間保留空隙，再加以研磨的行為，並非單純的技法，而是身體動作的重複與專注，與時間相遇的交會點。其上再以石墨打磨所形成的深邃光澤，如同身體與心靈逐步被清空的痕跡。
我認為，身體透過重複行為來沉澱心靈，而心靈被清空的瞬間，當下的呼吸便會變得清晰，而所有這些時間，最終都在畫面上形成層層結構。作品正是這種積累的結果，也留下來成為一種存在。
支撐我持續創作的力量，來自於「重複之中不斷出現的微小差異」。無論是一個點、一條線，或是一道石墨反射出的光，總能留下嶄新的感受，引領我進入下一個階段。
這樣沉浸於身體動作的過程，接近冥想狀態，你希望可以帶給觀眾什麼，或期待觀眾以什麼狀態欣賞你的作品呢？
權純益：希望觀眾能在作品前稍作停留，給自己一段凝視自身的時間。畫面中的空隙、層次與反覆的節奏，與其說是視覺元素，不如說是一個讓觀眾映照自身記憶與情感的空間。在我騰出空間的地方，觀眾能以自己的故事填補進來，我希望有這樣的瞬間發生。
你如何看待自己的創作語彙，與西方抽象繪畫構成的同與異？在韓國當代抽象藝術的脈絡中，你認為自身承襲了戰後單色畫的哪些精神？有哪些不同的開創？
權純益：相較於西方抽象多半從視覺構成與形式解構出發，我的抽象創作奠基於冥想、呼吸與氣的流動。我的創作與其說是在建構形式，不如說更接近於呈現一種存在的狀態。
我十分重視韓國單色畫中所蘊含的節制與留白精神，但同時也希望在那樣的靜謐中，更積極地呈現身體的節奏與情感的流動。我尊重單色畫所展現的靜態思考，同時嘗試在其中納入身體的痕跡與時間的層次，開展出另一條可能的方向，而這樣的思考也延續成我現在的創作。
創作生涯從具象走向抽象的轉折點為何？可以聊聊如何發展「點、線、面」（「無我」、「呼應」、「隙」）三個主要系列嗎？
權純益：創作初期，我以研究韓國傳統紋樣與民畫題材為主，持續進行具象的表現。隨著時間推移，我愈來愈感受到，比起形式，「本質」的探問才是更重要的課題，也因此自然地走向抽象。
「無我」系列（Absence of Ego），透過反覆點畫與研磨石墨，呈現逐步清空自我的修行過程。最新的「呼應」系列，則超越了單純的呼喚與回應關係，是在「空」之中重新尋回自我的道路。
「隙－積 ・研」系列（Interstice-Pile Up & Rub）是在層層堆疊色彩、反覆研磨所產生的縫隙中，投射時間與記憶深度的創作。許多人停留在過往的傷口、幸福的回憶，而無法真正活在當下，或為了所謂更好的未來而犧牲當下的喜悅。但透過創作我逐漸明白，只有認真活在被賦予的當下，才能真正遇見未來的自己。將這種思考以視覺方式具現出來的「隙」系列，各種色塊間，唯一的那道黑色，並非單純的黑暗，而是象徵「此時此刻」的瞬間。
這三個系列從清空，到與自身感受的回應，再到流動的狀態，皆置於同一條朝向內在的旅程。
早期你有融入民畫題材的獨特技法「鑲嵌繪畫」，近年也有屋瓦裝置的創作實踐。從最初對陶藝的興趣再度走向雕塑領域，有哪些不同想法嗎？
權純益：早期為了理解傳統紋樣的意義，我親自學習陶藝，並嘗試將鑲嵌技法轉化為繪畫語言。在顏料尚未乾透時反覆刮除的方式，是一種將陶器表面的質地重新於平面上詮釋的創作實驗。長時間進行拉坏創作，使我對紋樣的抽象性與材質的觸感有了更深刻的體會，也深深影響了後來繪畫的層次與材料的選擇。
至於瓦片創作，源於在聞慶廢礦村中，看見無數人走過的地面所反射出的黑色光澤，以及粗獷的瓦片質地，於是嘗試在瓦片上塗抹石墨。當我面對那種吸納光線的瓦片表面時，自然地將思考延伸至雕塑性的方向。歸根究柢，我關注的是材料、記憶與時間層次如何相遇並生成新的感受，而這樣的探索也自然地引領我走向不同媒材。
在美洲、非洲等世界各地旅行與舉辦展覽經驗，曾有哪些難忘的時刻與啟發？近期你也造訪臺灣，在金馬賓館當代美術館與華人幾何抽象藝術先鋒霍剛共同展出「吟遊時空」，有哪些體驗或收穫嗎？
權純益：每次造訪不同地區時，我都能感受到那個地方獨有的時間密度與自然紋理的差異，尤其是南美洲強烈而原色化的色彩，對「隙」系列產生了深遠影響。
此次造訪臺灣，我得以深入觀看霍剛老師的作品，這段經驗令我久久難忘。他的創作同時蘊含強烈與靜謐，點與線延伸為對時間與存在的深層思考。這讓我再次確認，東亞的抽象藝術並非西方抽象的變體，而是奠基於冥想、呼吸與氣韻流動的獨立精神體系。在金馬賓館當代美術館一年期展覽的形式，與極為細緻的作品分析與籌備過程，令我深受感動。最初收到大量資料請求時，甚至一度覺得是否太過仔細了，但看到他們為了真正理解作品而準備如此完整的檔案，我深刻感受其專業，再加上館長與工作人員在裝置創作過程中展現的真誠與體貼，對我而言是一段非常愉快的展覽經驗。
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你有欣賞的藝術家嗎？如果有機會與一位藝術家對談（不論時間、空間或語言的限制），你會選擇誰？希望彼此間談論些什麼？
權純益：我個人非常喜愛並敬仰西班牙當代雕塑家愛德華多．奇利達（Eduardo Chillida）。在西班牙旅行時於索菲亞王后國家藝術中心（Museo Reina Sofía）見到他的作品，深深被那種看似簡約卻極具力量、節制而深沉的黑色線條，與雕塑性的平衡流動所打動。
我從米羅（Juan Miró）身上學習色彩的和諧。在來自南美洲的動態藝術（Kinetic Art）大師 Rafael Soto 作品中，體會到動態結構裡層層交疊的色彩感性。烏拉圭藝術家 Ignacio Iturria 的繪畫，讓我感受到一種自由的精神。
若要提到我最喜愛的韓國藝術家，則是 Jang Ukjin，他以繪畫呈現對自然與家庭深刻的愛，使我長久思考這樣的創作主題。
能否與我們分享未來的創作計畫與更多消息呢？
權純益：目前我正持續擴展「呼應」系列，希望能更加專注於「線」的研究。我的創作脈絡從「點」（「無我」系列）、「面」（「隙」系列），延伸至「線」（「呼應」系列），而「線」仍有許多值得深入探索與學習之處。我也正準備將屋瓦與石墨等材質以更多元的方式結合，進行跨越繪畫與雕塑邊界的創作。
籌備中的計畫，包括2026年4月在威尼斯雙年展舉行的致敬國際展、同月於新加坡白石畫廊舉辦的韓中日聯展。8月也預計於中國上海專門展出抽象藝術的「春美術館」舉辦個展，據說這是該館首次為外國藝術家舉辦個展，對我來說是重要的計畫。
權純益 Soonik Kwon（권순익）
1959年生於韓國首爾。世宗大學美術系畢業。將作品視為沉靜而堅定的冥想場域，在畫面上規律堆積、刮磨、拋光，並運用天然石墨，體現物質與時間、思考與感官相遇的交界點。曾於亞洲、北美及歐洲等地舉辦逾30次個展與50多場群展，並曾參與西班牙與韓國濟州當代藝術博物館駐留計畫。作品廣由韓國首爾國立現代美術館、委內瑞拉國家現代藝術博物館、哥倫比亞托利馬藝術博物館等國際公共機構典藏。
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